Roberto Mata

Por Fernando Vallejo

La exposición de Matta nos invita a indagar en su obra y en todas las formas de representación que el utilizaba, y apreciar también las épocas y la evolución que en cierta forma tuvo. En particular las obras de Matta están cargadas de cierta provocación para el espectador, el uso de colores realmente llamativos, la estructura y las formas con que expresaba la figura humana, resaltando y dándole una connotación sexual al dibujar los pechos en el caso de la mujer y el pene en el caso de los hombres recalcando en su obra el momento de la concepción y lo que esta significa; apreciar el sentido de la vida y las formas como las representa. Otro aspecto importante a destacar es la forma en que Matta se desenvolvía, casi de una manera instintiva, el concepto del arte y la forma como lo realizaba, podía ir desde derramar una taza de café y las formas que este dejo en el papel, intervenirlas y armar una obra, o a elementos de mayor elaboración. En la exposición pudimos ver las diferentes técnicas que desarrolló Matta, como también el compromiso y el arraigo con chile y América y como a pesar de estar lejos siempre tuvo presente sus orígenes y estuvo atento con lo que pasaba en chile. Para apreciar toda su obra es importante situarse en el contexto, el tiempo y el espacio, y sobre todo dejarse llevar por la obra y lo que ésta comunica, para asi mediante sus colores, formas, contrastes, descubrir el pensamiento y los posibles mensajes en cada una de sus obras.

Por Cristopher Ligueño

La exposición de Matta nos invita a profundizar en sus obras y la forma en que las utilizaba. En general as obras de Matta son muy llamativas debido a sus colores y formas, ya que enfatiza en gran manera los órganos sexuales de la figura humana, por lo tanto expresa literalmente el acto sexual y todo lo que esto significa.

Además cabe destacar que Matta actuaba casi por su instinto al arte, al rescatar mucho de cosas simples, porque como ya nos dimos cuenta Matta desarrollo un sin fin de técnicas. Po lo tanto para poder captar todas sus técnicas debemos situarnos en el contexto, pero sobre todo y lo mas importante dejarse llevar por sus obras y captar el mensaje que nos trasmite en cada una de sus llamativas obras

Dadaismo

John Heartfield: Pionero del fotomontaje (1891-1968).

Reseña: Su verdadero nombre era el de Helmut Herzfelde, pero sus amigos se referían a él llamándolo "Monteur-Dada", el dadamontador, debido al mono que solía vestir. Pasó a llamarse John Heartfield por un acto de provocación, en señal de protesta contra las actitudes xenófobas de la sociedad alemana contra Inglaterra, en 1916. Foto montador y Diseñador Gráfico, junto a George Grosz (o en solitario) creo gran cantidad de fotomontajes que suponen hoy día una gran innovación en los procedimientos del collage y el uso tipográfico. Además fue parte imprescindible del grupo dadá berlinés.

Obra: Al igual que la obra de otros artistas marxistas, sus fotomontajes, desprovistos del contenido político, han ejercido una enorme influencia en el arte moderno, incluso en la publicidad televisiva y de prensa. En la primera década de siglo fundó junto a su hermano la editorial Malik, "el centro de publicaciones más importante de la izquierda progresista durante la República de Weimar en Alemania", donde Heartfield comenzó a usar masivamente el fotomontaje para comunicar y emocionar a través de la imagen y la tipografía.

Comentario Personal: John Heartfield, fue realmente un verdadero pionero en el fotomontaje en el movimiento dadá, ademas sus grandes trabajos lo llevaron a el y su inseparable hermano por el camino del crecimiento. Tambien a John Heartfield se caracterizo por sus fotomontajes satiricos tanto sobre el partido nazi como sobre las instituciones de la República de Weimar que habían permitido su crecimiento.

The Cross was not Heavy Enough

And Yet it Moves

As in the Middle Ages…So in the Third Reich

Georg Grosz

Reseña: (Georg Ehrenfried; Berlín, 1893-1959) Artista alemán. De origen pequeño burgués, llevó a cabo su formación artística en la Königliche Akademie de Dresden (1909-1911) y, a partir de 1912, en la escuela dependiente del Museo de Artes y Oficios de Berlín; la obra de esta época es naturalista, y trata temas urbanos y sociales. Ese año de 1912 apareció su primer dibujo publicado en Ulk, que supuso el inicio de una serie de colaboraciones con distintas revistas como Neue Jugend, Der Knüppel o Der blutige Ernst (La seriedad sangrienta), publicación satírica de corte político radical, en cuya creación colaboró el propio Grosz

Obra: L gran parte de De su trabajo estubo variando según los problemas o hechos sociales un ejemplo es a partir de 1912, la obra de esta época es naturalista, y trata temas urbanos y sociales.

Comentario Personal: a partir de todas las bases en las que se manejo y a su gran experiencia en varios campos se pudo desarrollar tal cual deseaba convirtiendose en uno de los importantes de su movimiento

Man Ray (1890-1976)

Reseña: Man Ray nació en una familia judía en 1890 en Filadelfia (Estados Unidos), fue bautizado como Emmanuel Radnitzky. Empiezó a pintar a los cinco años. En 1897 su familia se traslada a Brooklyn. Estudió en la Hihg School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de Nueva York, donde cursó diseño industrial y arquitectura. Rechazó una beca para estudiar arquitectura y no aceptó una educación académica.

Obra: Fotógrafo surrealista nacido en Estados Unidos. Se destacó por ser vanguardista e imaginativo. Se dedicó a diferentes expresiones artísticas: pintura, escultura, fotografía, cine, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda, aunque se destacó por sus fotografías. Su estilo incluye movimientos como el Dadaísmo y Surrealismo.

Comentario Personal: Man Ray se destaco de gran medida por su creatividad mediante a distintos tipos de expresiones, en las cuales se desempeñaba con cada una de la mejor manera no solo utilizando el dadaismo si no que tambien con el surrealismo, ademas invento una nueva expresión artistica, los rayogramas.

Caligramas

Guillarme Apollinaire:

En los poemas de Caligramas, subtitulado Poemas de la paz y de la guerra, lleva al extremo la experimentación formal de sus anteriores obras, preludiando la escritura automática surrealista al romper deliberadamente la estructura lógica y sintáctica del poema.

Colección de poemas inspirados por la guerra y escritos en la trinchera. Son muy variados:

-Con o sin intervención de la tipografía y el color

-Escritura enmarcada

-dibujados con la palabra

-construidos con letras deformadas

-Vacíos

-Concretos

-Anti-representativos y auto-representativos

Son célebres, por otro lado, sus «ideogramas», en que la tipografía servía para «dibujar» objetos con el texto mismo del poema, en un intento de aproximarse al cubismo y como expresión del afán vanguardista de romper las distinciones de géneros y artes. Esta técnica hoy en día es denominada bajo el nombre de «poesía visual», como un todo o una base desde la cual se realiza esta taxonomía de las diferentes expresiones como la caligramática.

Stephane Mallarme:

Stephane Mallarme, con su golpe de dados, había indicado el camino, la ruptura de la linealidad: método de la doble imagen, fuga en el blanco y metáfora. Naturalmente, el poema deja de ser considerado como objeto moral o como objeto psicológico. El poema ofrece un lenguaje en sí mismo, aunque fruto, en palabras de Tristan Tzara, de una actividad del espíritu. En sentido kantiano, más que una inclinación por el desvío, supone una Crítica de la Poesía Pura. La visualidad del signo hace, por otro lado, universal el mensaje, lo que iguala a la poesía, en ese aspecto, con la música o la escultura. La frontera del idioma queda, de este modo, abolida, y trasciende.

Cubismo

Fernand Léger

Reseña: Fernand Léger (1881 - 1955): Pintor francés, nació el 4 de febrero de 1881 en Argentan. Durante dos años cursó estudios de arquitectura en Caen y después viaja a París, donde es rechazado en la Escuela de Bellas Artes y se inscribe como alumno en el taller de León Gerôme y posteriormente en el de Gabriel Ferrier. A partir del año 1910 expone regularmente en el Salón de los Independientes. La mayoría de sus primeros cuadros tienen un carácter cubista, entre ellos Desnudos en el bosque (1909-1910, Museo Kröller-Müller, Otterlo). Su siguiente etapa estuvo influida por sus experiencias en la I Guerra Mundial. Inició su llamado periodo "mecánico" en el que utilizó muchos símbolos procedentes del mundo industrial. La Ciudad (1919, Museo de Arte de Filadelfia). Su obra ejerció una influencia importante en el constructivismo soviético. A su vez, destacó como realizador de vidrieras, mosaicos, ceramista, diseñador de escenografías teatrales y de tapicerías. Falleció el 17 de agosto de 1955.

Obra: Apartó al cubismo de los impulsos iniciales de sus fundadores, tomó la sentencia de Cézanne acerca del cilindro, la esfera y el cono. Transformó motivos como los de desnudos en un bosque a secciones de tubos de colores brillantes, si bien su evolución pudo haber ido hacia un arte de color puro y relaciones de forma, sus experiencias de vida lo llevaron a un estilo mas accesible, sencillo y populista.

Una de las obras con mayor trascendencia es “La Ciudad” en donde se aproximó hacia su experiencia visual, la relación de la realidad con la superficie pintada es básicamente el tema que trabaja; las percepciones de los colores, formas, los carteles y la arquitectura del ambiente urbano, como fragmentos de información están montadas en una composición de planos coloreados. Las letras utilizadas por Leger trazaron el camino hacia caracteres geométricos. Su obra, fue la inspiración principal del modernismo pictórico y el estimulo principal del cartel de los años 20 gracias a las estilizaciones pictográficas de la figura humana y de los objetos, utilizando formas angulosas , motivos urbanos y formas mecanicas, definiendo así, la sensibilidad del diseño moderno después de la primera guerra mundial.

Comentario personal: Fernand Léger, si bien perteneció al movimiento cubista, trascendió mas allá del cubismo en base a su obra, sentó las bases de moviementos posteriores y en parte acerco el cubismo a la gente. Su principal aporte fue investigar sobre la relación de la realidad con la superficie pintada, y como esta se pasmaba en la obra. Sin duda Fernando Léger indago más alla de las reglas establecidas por el cubismo lo que produjó que su obra tuviera su sello y trascendencia hacia otros movimientos.

La gran Julie

Desnudos en el bosque

Bibliografía
Meggs, Philip: «Cubismo». En: Historia del Diseño Gráfico. México, D. F.: Trillas, 1991. Pág. 302 a 303.

http://es.wikipedia.org/wiki/Fernand_L%C3%A9ger

http://www.musee-fernandleger.fr/

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=292

El art Nouveau Ingles

En Inglaterra el arte se preocupaba más por el diseño grafico y las ilustraciones que por el diseño arquitectónico. Sus orígenes incluyeron el arte gótico y la pintura victoriana.

Un fuerte impulso hacia un estilo internacional fue creado por la edición “el estudio”, en abril 1893 se produjo el trabajo de Aubrey Beardsley también se incluyeron trabajos de Walter Crane. Crane fue uno de los primeros en la aplicación de modelos ornamentales Japoneses.
Los italianos denominaron al arte Nouveau estilo libertad. Aubrey beardsley tenia un excelente manejo de la pluma, llego a ser famoso a la edad de 20 años con la ilustración de la muerte de Arturo de malory, la influencia de kelmscott se vio aumentada. William Morris no estaba de acuerdo con beardsley ya que había vulgarizado las ideas del diseño del estilo kelmscott, al reemplazar los rebordes naturalistas esenciales por modelos planos mas estilizados.
La sociedad inglesa de la era victoriana fue sacudida por esta celebración de la perversidad, beardsley penetro la ilustración y el diseño de todos los países europeos.
Charles Ricketts era el principal competidor de beardsley. Ricketts comenzó como grabador en madera, su trabajo se basaba en una profunda comprensión de la producción impresa, se concentraba en la armonía de las partes, aprendió a denotar figuras y vestimentas.
Al término del siglo el autor Laurence Housman se mantenía como diseñador de libros, este diseño libros altos, angostos y cuadrados, sus portadas eran únicas e informales.
Luego aparecieron los hermanos Beggarstaff, estos desarrollaron una nueva técnica llamada collage, forjaron un nuevo método de trabajo de siluetas en carteles.

Ideas Principales

- Orígenes del arte gótico y pintura victoriana
- Fuerte impulso al estilo universal
- Celebración de la perversidad
- estilo kelmscott.

Principales exponentes:
- Aubrey Beardsley
- Walter Crane
- William Morris
- Charles Ricketts
- Laurence Housman
- los hermanos Beggarstaff

Comentario personal

En Inglaterra el arte nouveau se baso en el arte gótico y la pintura victoriana, este arte se vio reflejado mayormente en ilustraciones y el diseño de libros los cuales contenían portadas únicas e informales, la celebración de la perversidad penetro dentro de todos los países europeos dentro de la ilustración.

Bibliografía
Meggs, Philip: «El Art Nouveau Ingles». En: Historia del Diseño Gráfico. México, D. F.: Trillas, 1991. Pág. 251 a 257.

Cristian Miranda Rozas

El Art Nouveau llega a Norteamérica

El arte gráfico Francés y británico unieron sus fuerzas para invadir Norteamérica entre el año 1889 y 1891.

Louis Rhead, británico de nacimiento (1857-1926) estudio en Inglaterra y Paris antes de emigrar a los Estados Unidos en 1883, mas adelante se unió al autodidacta americano, William H. Bradley (1868- 1962) los dos mas importantes profesionales americanos del diseño gráfico e ilustraciones inspirados en el L´Art Nouveau.

La industria Publicitaria de los estados unidos fue la primera en adoptar el cartel visual.

Rhead adopto el cartel Frances como modelo, desinhibido y enormemente talentoso William Bradley se inspiro en fuentes inglesas.

Su temprano entrenamiento en las artes gráficas a los 11 años, lo convirtió en demonio de la impresión (aprendiz joven y mandadero de un taller tipográfico).
Bradley era un libre pensador en su aproximación al diseño tipográfico y se burlo de todos los convencionalismos y reglas prevalecientes.

Ethel Reed (nacida en 1876) se convirtió en la primera mujer Norteamericana que alcanzo importancia nacional en su trabajo como diseñadora grafica e ilustradora. Curiosamente, la carrera de Reed termina abruptamente en el año 1898, y su vida después de cumplir los 22 es un misterio.

Edward Penfield (1866 – 1925), director de arte de las publicaciones de Harper y Hermanos. Penfield forzaba al espectador a enfocar la figura y las leyendas, dibujaba con líneas fluidas vigorosas y sus superficies planas a color a menudo terminadas con una técnica magistral de graneado.

Joseph C. Leyendecker (1874 -1951), llegó a ser el ilustrador más popular de los Estados Unidos desde la Primera Guerra Mundial hasta principios de la década del cuarenta

Ideas Principales

Norteamérica: primeros en utilizar el cartel visual

Rhead:
-Desinhibido y talentoso

Bradley:

-Autodidacta
-Libre Pensador


Comentario Personal

El Arte Nouveau en Estados Unidos fue mayormente utilizado para carteles, portadas de revistas, y libros y sus principales exponentes se basaban en el Movimientos de las Artes y los Oficios, y gran parte de ellos creaban diseños poco convencionales .

Cristopher Ligüeño

Meggs, Philip: «El Art Nouveau llega a Norteamérica ». En: Historia del Diseño Gráfico. México, D. F.: Trillas, 1991. Pág. 264 a 271

El desarrollo del cartel del Art Nouveau francés

El desarrollo del Art Nouveau en Francia desde la década de 1880 en adelante, estuvo compuesta por varios exponentes, entre los cuales destacan 3: Théophile–Alexandre Steinlen, Henri de Toulouse–Lautrec y Alphonse Mucha.

Théophile–Alexandre Steinlen (1859-1923), artista suizo, llegó a París a los 22 años, y su primer trabajo consistió en dibujos de gatos para “Chat Noir”, cabaret en donde se reunían artistas; era un gran ilustrador el cuál poseía puntos de vistas radicales, socialistas y actitudes anticlericales que lo llevaban a plasmar un realismo social en sus obras que describía la pobreza, la explotación y la clase trabajadora. Entre sus obras destaca su cartel multipanel para los trabajos de imprenta de Charles Verneau. Se caracterizó por tener una afinidad a la línea fluida y mantener una cualidad naturalista en el tiempo.

Henri de Toulouse–Lautrec, llegó a ser un maestro en París, admirador del arte japonés, el impresionismo y los contornos y diseños de Degas, frecuento los burdeles y cabarets de parís para captar la vida nocturna de “La belle epoque”. Fue grabador, dibujante y pintor y dominó el dibujo directo sobre piedras litográficas.

Alphonse Mucha(1860-1939), artista checo, llegó a parís con 27 años, su primer trabajo en Francia corresponde a un cartel para la obra teatral “Gismonda”, protagonizada por la actriz Sarah Bernhardt, Mucha se basó en un cartel de Grasset pero le agregó mosaicos bizantinos para los motivos de fondo, haciendo algo totalmente distinto. Mucha se opuso a la etiquetación de Art Nouveau, ya que para el “el arte era eterno y nunca podía ser nuevo”.

El Art Nouveau en Francia, antes llamado estilo moderno, estaba influenciado por las curvas ligeras y fluidas del Rococó, y fue llamado así cuando Samuel Bing inauguró su galería “El Arte Nuevo” para exhibir artes y oficios de artistas jóvenes.

Gracias al cartel de Gismonda Mucha logró un contrato de 6 años para hacer escenarios, vestuarios, etc. Posteriormente Mucha se fue de París para ir a Norteamérica, luego volvió a Checoslovaquia en donde realizó su último trabajo importante “Épica eslava” en donde se describe la historia de su pueblo.

Otros exponentes fueron Emmanuel Orazi, Paul Berthon, Georges de Feure y Héctor Guimard.

Ideas Principales

Art Nouveau en Francia influenciado por curvas ligeras y fluidas del Rococó

En el Art Nouveau francés destacan 3 exponentes:

- Théophile–Alexandre Steinlen:
- Realismo social
- Línea fluida
- Naturalismo

- Henri de Toulouse–Lautrec :
- La belle epoque

- Alphonse Mucha:
- Gismonda
- Mosaicos bizantinos

Comentario Personal

El Art Nouveau en Francia estuvo influenciado notablemente por las líneas del rococó, ya que se adaptaron las formas orgánicas de la naturaleza, destacaron 3 exponentes y dentro de estos Alphonse Mucha es el más destacado gracias a las innovaciones planteadas como los mosaicos bizantinos. El desarrollo del cartel francés aporto mucho al desarrollo de Art Nouveau, ya que le otorgó matices distintos al del resto de Europa, otorgándole una particularidad e identidad a éste arte desarrollado en Francia.

Bibliografia

Meggs, Philip: «El desarrollo del cartel del Art Nouveau francés». En: Historia del Diseño Gráfico. México, D. F.: Trillas, 1991. Pág. 256 a 264

Fernando Vallejo